Wer schreibt, der bleibt. Das galt auch schon im Jahr 2000: Ich habe einen meiner ältesten Fachbuchbeiträge aus dem Bereich Online Marketing und „Online-Handel“ wiederentdeckt. Das Buch ist damals pünktlich zum neuen Millennium am 1.1.2000 erschienen. Ich wollte wohl sicherstellen, dass wichtige Informationen zum Thema Digitalmarketing für das neue Jahrtausend verfügbar sind, bevor es beginnt.
Ein Buch-Dinosaurier: „Events und E-Commerce als e-Book“ im Google Play Store
Tatsächlich ist das Buch danach sogar in mehreren Auflagen gedruckt worden: Obwohl es sich nicht um eine sehr neue Veröffentlichung handelt, sind einige Exemplare dieses Buches aus dem Springer Verlag Heidelberg in der Fassung von 2013 immer noch bei Amazon erhältlich. Google Play hat auch digitale Kopien davon, wenn Sie keine Lust haben, für ein Flashback ein traditionelles Werk aufzuschlagen.
„Events und E-Commerce“ ist eine Zusammenfassung von Artikeln zum Thema Kundenbindung und Markenführung im Internet. Das Internet hieß damals „World Wide Web“, und wird zum Zeitpunkt der Veröffentlichung dieses Blogbeitrags auch liebevoll Web 1.0 genannt.
Eine Rezension des Buchs „Events und E-Commerce“ auf Amazon
Was ich heute über den Beitrag denke? Es ist toll zu sehen, dass du immer noch neue Dinge lernst! Ich habe heute meinen alten Artikel noch einmal gelesen und war von dem gut geschriebenen, detaillierten Inhalt begeistert. Es sieht so aus, als hätte das Buch auch viele hilfreiche Kommentare von Lesern erhalten.
Mein Fazit: Es scheint, als würden wir immer dasselbe alte Ding verkaufen, aber in einer neuen Verpackung. Es kann schwierig sein, etwas Neues zu finden, aber der Fortschritt könnte immer noch schneller gehen und eine höhere Innovations-Qualität erzielen.
Der Begriff „Brotlose Kunst“ wird falsch verstanden. Kunstschaffende sind Wertschaffende, und ohne Kunst ist das Leben für uns alle viel weniger lebenswert. Keine Kunst bedeutet: Keine Musik, kein Netflix, keine schönen Gebäude, keine außergewöhnlichen Designs, kein Buch und weniger Interaktion. Keine tollen Outfits of the Day, keine Bilder, keine neuen Impulse, keine Inspiration. Keine YouTube-Filme, keine Instagram-Posts, nichts auf TikTok, Snapchat. Ohne Kunst ist das Leben weiß bis transparent.
Sascha Schulz: „Künstlerinnen und Künstler brauchen eine Frischzellenkur in Sachen Digitalisierung, um ihre Karriere selbstbestimmt planen und umsetzen zu können.“
Und trotz enorm großer Bedeutung von Kunst denkt leider immer noch der selbstverliebte oder unwissende Teil unserer Gesellschaft (und beizeiten auch unsere Eltern), dass Künstler Profiteure sind, anstatt Profit zu machen. „Kunst muss gefördert werden!“ Ich halte das für einen groben konzeptionellen Fehler. Kunst muss nicht gefördert werden, Kunst muss ihren Markt finden. Kollektiv oder allein.
Mit „brotloser Kunst“ war ursprünglich sicher nicht gemeint, dass Kunst grundsätzlich kein Geld bringt. „Brotlose Kunst“ bedeutete, dass Künstler „Pro Bono“ Projekte umsetzten, also ausnahmsweise mal unbezahlt arbeiteten. Jeder kann heute Kunst schaffen – ohne formale Ausbildung, ohne viel Eigenkapital, ohne Beziehungen. Das ist toll, und die Computermarke mit dem Apfel hat einen sehr großen Anteil an dieser Massenbefähigung. Jeder kann Kunst machen, und jeder kann sie per Print-on-Demand und Dropshipping risikofrei auf Kundenwunsch produzieren und versenden lassen. Jeder kann digitale Kunst als NFT verkaufen und eigene Versteigerungsrunden planen und durchführen. Niemand sollte sich in der aktuellen Digitalkunst-Euphorie von selbsternannten Propheten verwirren lassen, die einfache NFTs kompliziert erklären. Jeder kann seine eigene Audience aufbauen, eigene Kanäle mit relevanten Followern pflegen. Jeder kann rund um seine Kunst weitere digitale Produkte kreieren, mit denen sich die Miete und viel mehr bezahlen lässt. Das Spektrum ist so breit – es reicht von der Stickanleitung über Online-Kurse bis hin eigenen Farb- Kollektionen und Makros für beliebte Softwareprogramme („Filter“, „LUTs“…)
Klassische Machtverhältnisse im Kunstmarkt haben in ihrer gewohnten Form in Zukunft keinen Bestand mehr, und das ist gut so. Arroganz, künstlich geschaffene Marktzugangsbarrieren, die Verknappung durch den teuren und zeitaufwändigen Irrglaube an die sagenhafte Qualität der eigenen „Vita“ – proklamiert durch Kunstakademien, Kuratoren, Museen, Galerien – verschwinden. Gatekeeper in TV-Sendern und Verlagen werden weniger einflussreich. Die eigene Audience liefert die Referenz.
Machtverschiebung im Kunst-Universum: Künstler Dries Ketels erklärt uns, warum Kunsthochschulen nicht mehr unbedingt sein müssen!
Hatten wir also nur einen kleinen Aussetzer, der ein paar Jahrhunderte gedauert hat? Noch bis ins Mittelalter verfeinerten Talente ihr Können als Praktikanten bei etablierten Malern, Autoren oder Darstellern. Sie produzierten für einen Markt, für eine Kundschaft, für einzelne Auftraggeber. In jüngster Zeit war das lange verpönt, was zu einer Über-Intellektualisierung und der Hoffnung geführt hat, wenigstens nach dem Tod endlich ein Minimaleinkommen zu erzielen. Das, was der Markt nicht wollte, wurde geliefert.
Das Internet, soziale Medien, NFTs in Blockchains und künftig auch das Metaverse stellen diese kopfkranke Geldgießkanne glücklicherweise wieder auf die Füße. Wer Kunst machen will, braucht keine teure und lange Hochschulausbildung und keine externen „Gutachter“. Wer Kunst machen will, der braucht Talent, eine Story, und eine Audience und das Know-how, sich seine eigene Marke aufzubauen. Anfangen, rausgehen, laufen lernen, optimieren… weitermachen.
Mr. Beast hat es 2021 lt. Forbes wieder an die Spitze der YouTube Charts geschafft. Von insgesamt 300 Millionen Werbe-Dollars, die die Plattform an ihre Creators ausgeschüttet hat, gingen 54 Millionen an den in Wichita geborenen 23-jährigen. Er erzielt mit seinen 87,5 Mio. Abonnenten über 14,2 Mrd. Aufrufe. Jake Paul ist ihm mit 45 Millionen Dollar dicht auf den Fersen.
Content Creators wie Mr. Beast sind Künstler. Und Kunst und Geld passt zusammen! Hierfür gibt es weit mehr eindrucksvolle Beispiele. Damien Hirst gilt mit einem geschätzten Vermögen von rund 1 Milliarde Euro als reichster lebender Künstler und als reichster Künstler überhaupt. Kunst hat viele Formen und Gesichter: Maler, Bildhauer, Konzeptkünstler, Filmproduzenten, Entertainer, aber auch Schauspieler wie Tom Cruise (ca. 515 Millionen Euro) und The Rock Dwayne Johnson (ca. 80 Millionen Euro Jahreseinkommen), Musiker wie Paul McCartney (ca. 1 Milliarde Euro) oder Madonna (ca. 800 Millionen Euro) und natürlich Buchautoren wie James Patterson (ca. 480 Millionen Euro) und J.K. Rowling (ca. 900 Millionen Euro) besetzen Bestplatzierungen auf der Liste der superreichen Kreativen.
Sollten wir auf diese Wunderkinder auf den Top-Plätzen schauen? Ist das die Messlatte, nach der wir realistisch greifen können – und wie sind die dahin gekommen? Die, die heute oben sind, haben sich hart dorthin gearbeitet. Sie waren und sind schöpferisch tätig und sind in der Lage, ihre Kreativprodukte zu einer Audience zu bringen und Geld mit nach Hause zu nehmen.
Verstehst Du nicht auch, dass heute viele Kids davon träumen, Creator zu werden? Sie sehen, was sich damit verdienen lässt und vergleichen das Einkommen mit Tariflöhnen und 8-to-5 Jobs. Künstler zu sein bedeutet – wie bei jedem Solopreneur – Erfolg auf eigenes Risiko planbar machen zu können. Wem das schon früh gelingt, der wird es nie verlernen!
Welche Rolle spielt Kunst in der Gesellschaft? Und wie können Künstler selbstbestimmt mehr Einkommen erzielen? Dries Ketels kennt die Antworten aus erster Hand!
Der belgische Künstler und Dichter Dries Ketels zeigt uns, wieso Instagram, TikTok und eine eigene Website wichtiger für den Erfolg als Künstler sind als der feuchte Traum, dass uns Galeristen und Agenten beim Wachstum helfen. Dries Ketels appelliert an Künstler, sich pragmatisch selbst zu vermarkten und zeigt, wie das funktionieren kann. Ketels lebt in Gent. Von 2011 bis 2015 studierte er an der dortigen Universität und an der Freien Universität Berlin Kunstwissenschaft.
